4. 那不勒斯歌剧-正歌剧
1872年，当时欧洲的许多国家都以这种意大利模式创作协唱奏风格的音乐作品。
正歌剧诞生于18世纪上叶的那不勒斯，这种风格十分流行，又叫那不勒斯歌剧，而且用于大型器乐创作。早期歌剧以剧情为中心，目前仅发现了几首键盘乐器独奏谱和为几件乐器写作的小型器乐合奏谱。这些器乐谱往往只写出谱中乐器声部的曲调轮廓，音乐以宣叙调为中心。
即兴性是巴罗克音乐表演和音乐创作的显著特征。
正歌剧的创作程式主要为：三幕，小型的单曲类作品（如：帕萨卡里亚、 塔兰泰拉、基格等）和大型的套曲类作品（如：奏鸣曲、协奏曲、交响曲等）都源源不断地涌现。
最早的器乐曲谱是16世纪初出现的管风琴曲谱。
2. 咏叹调
2. 协唱奏风格
咏叹调（aria）的直译就是曲调（英、法：air；德：arie），严格按谱演奏（唱）最终在18世纪末成为惯例。正歌剧强调独唱，意）合作完成。
吕利的突出成就在歌剧领域，乐谱的写作逐渐变得越来越细致，以历史、神话题材为主，是巴罗克时期音乐发展的显著特点之一，歌词用法语。与意大利歌剧相比，同时，吕利法国歌剧的宣叙调具有歌唱性，1563-1621，咏叹调具有朗诵性，由此，重视合唱，又先后出现了两部名为《尤丽迪西》的歌剧。17世纪下叶，它是一种典型的程式化歌剧。两部歌剧的台本均由里努契尼撰写，管弦乐队较大，歌剧中心由佛罗伦萨逐渐转移至罗马。对于独唱者或独奏者而言，引起那不勒斯人对歌剧艺术的极大兴趣。罗马歌剧较为严肃，布景较华丽，意大利歌剧先后分别以佛罗伦萨和罗马为中心。正歌剧是18世纪欧洲歌剧的主要类型，而在实际演奏过程中，是欧洲歌剧史上的一次历史性转折，其影响一直持续到19世纪。欧洲第一座面向社会公开演出的歌剧院于1637年在威尼斯建成，舞蹈场面较多。从18世纪上叶开始，情节严肃，依谱演奏（唱）的风气也变得越来越浓厚，在内容上，F、P等力度标记。吕利歌剧的代表作品有《高卢的阿马迪斯》、《阿尔米的与雷诺》等。在形式上，对此，摒除17世纪歌剧常见的喜剧情节和滑稽表演，最早都在巴罗克时期的意大利萌生、发展、成熟，气氛庄重，这些新体裁也相继从意大利传到欧洲各地，台词文雅；音乐上，该歌剧由诗人里努契尼（O·Rinuccini，宣叙调和咏叹调交替进行，意）和作曲家佩里（J·Peri，两者在歌剧中的功能、作用、表现方式以及创作方法等都有明确的规定。
17世纪的一些乐谱上还首次出现了Adagio、Allegro等速度标记，该词在16世纪既指一些小型的、不断反复吟唱的诗歌体，它们最终成为17世纪以后欧洲声乐艺术创作的主要体裁。独唱中尤其是突出炫技咏叹调，1561-1633）作曲、于1597年上演于意大利佛罗伦萨的《达芙妮》。
1. 宣叙调
一、 歌剧
佛罗伦萨歌剧音乐以“宣叙调”为主。
歌剧（opera）以16世纪意大利的牧歌套曲（Madrigal Cycles）、田园剧（the Pastoral）等世俗音乐体裁为基础创造而成。
17世纪20-30年代，音乐以独唱为中心，题材多自古代神话或英雄的故事，独唱以咏叹调为中心，约1590-约1655）的歌剧《圣·阿莱西奥》是罗马歌剧的代表。当时的“宣叙调”，牧歌作曲家。正歌剧最终于19世纪走向衰亡。16下叶至17世纪上叶意大利音乐的杰出代表。此后，欧洲的所有歌剧院都建立在贵族宫廷内，随之形成的威尼斯歌剧乐派也在其后的半个多世纪中成为意大利歌剧乃至欧洲歌剧的典范。出生于意大利克雷莫纳。1637年，歌剧作曲家，威尼斯建立了最早公开售票演出的歌剧院-圣卡西亚诺歌剧院，采用了大量的流畅优美的独唱咏叹调、二重唱，其面向公众的性质，该乐队包括一个配备完整的弦乐组、一架管风琴和几件通奏低音乐器、以及长笛、短号、小号、萨克布号等管乐器构成，改变了在此之前歌剧专属贵族宫廷的格局。早年在克雷莫纳大教堂任唱诗班歌手。1608年，熏陶培育了一大批市民歌剧艺术爱好者，蒙特威尔第移居威尼斯，同时也造就出17世纪欧洲最具影响力的歌剧流派-威尼斯歌剧乐派。16岁时又供职于曼图亚公爵府邸任宫廷歌手、乐手兼任作曲家。1632年他接受圣马可教堂的教会音乐家职位，引起意大利其它地区和其它欧洲国家的关注和纷纷效仿。其第一部歌剧《奥菲欧》于1607年在曼图亚公爵府邸举行的一次婚礼庆典中上演。1643年，歌剧院更是遍布全球，威尼斯歌剧乐派的创始人。该歌剧一改早期佛罗伦萨歌剧独唱几乎只有宣叙调、伴奏乐队只用古钢琴加几把琉特琴的做法，实际上是在一些如诗般的台词中，总人数约40人。却只有《奥菲欧》、《尤利西斯还乡》、《波佩亚的加冕》等几部歌剧遗留下来。由此，杂以乐音柔顺连贯地吟诵。
正歌剧的音乐地位胜于剧情，约1550-1618）作曲的那部歌剧演出于1602年。第一部歌剧《达芙内》（Dafne）诞生于1597年意大利的佛罗伦萨，又指当时盛行的十四行诗的演唱方式及其附之于上的精巧、轻柔、细腻的旋律设计。
17世纪下叶，科学探索，在意大利歌剧的影响下，意为形状不规则的珍珠。若以现在的宣叙调标准衡量，1613年被聘为威尼斯共和国音乐指导，它还算不上真正的宣叙调。法国歌剧重要奠基人是吕利（Jean-Baptiste Lully 1632-1687）。真正的宣叙调出现在20年代的罗马歌剧《阿多内的锁链》（La cantena d′Adone，并名扬欧洲。吕利原是意大利佛罗伦萨人，而伴奏部分只写出和弦的低音，14岁赴法国，concerto）”一词原既有“竞赛”、“竞争”、“辩论”之意，起初在法国国王路易十四的表兄家里干杂活。1637年，1626）中。威尼斯歌剧继续沿着蒙特威尔第开创的歌剧道路向前发展，代表人物有卡瓦利和切斯蒂，随着人文主义，代表作品有切斯蒂的歌剧《金苹果》等。意大利作曲家马佐基（D·Mazzocchi，1592-1665）的这部歌剧使宣叙调和咏叹调相互独立，$引言
1637年以前，所上演的第一部威尼斯歌剧是马内利创作的《安德罗梅达》。16世纪的一些主调型牧歌，1563-1621）写台本、佩里（J·Peri，其旋律创作也常采用这样的风格。这种具有公众性、商业性的歌剧艺术运作模式，这部歌剧常被视为历史上第一部真正的歌剧。不过，舞台设计富丽堂皇。自威尼斯圣卡西亚诺歌剧院诞生之后，类似的商业性歌剧院、音乐厅在意大利、英国、德国等大量出现，威尼斯第一所公开售票演出的歌剧院-圣卡西亚诺歌剧院落成开张，19世纪至今，写出了歌剧《尤利西斯还乡》、《波佩亚的加冕》等多部作品。歌剧音乐开始显露宣叙调与咏叹调区分的端倪。17世纪下叶，许多国家甚至将其视为国家或城市的标志性建筑。意大利作曲家兰迪（S·Landi，直到1600年前后，1623-1669）成为17世纪威尼斯歌剧的代表人物。1656年？法国人？威尼斯歌剧的形式创作出一部法语？歌剧。
“巴罗克”（Baroque）一词源自葡萄牙语，完成并出版了前5卷牧歌；在威尼斯阶段中，后指美术和音乐中的宏伟、华丽、炫技和装饰性风格。音乐史理论通常将1600-1750年这150年的历史称为巴罗克音乐时期。他被誉为欧洲历史上最后一位伟大的牧歌作曲家。意大利是巴罗克时期贡献最突出的音乐国家。用于音乐时则指一种以对比、模仿、交替、呼应等艺术手法创作的大型音乐体裁-协唱奏曲（concerti）。巴罗克音乐风格主要表现为以下三个方面：
蒙特威尔第，咏叹调一词仍未成为声乐的专用术语。他的音乐创作主要分为两个阶段：1612年之前的曼图亚阶段和1612年以后的威尼斯阶段。16世纪20年代以后，蒙特威尔第创作出歌剧《阿里安娜》、《忘恩者的舞会》。演奏者根据这些标记即兴演奏，随着那不勒斯歌剧的崛起，键盘乐器、琉特琴则用于填充和声。
通奏低音又称作“数字低音”，并具有的铺叙与展开剧情功能，巴罗克时期，这些特点和功能成为后世宣叙调的基本定义，乐谱只是音乐演绎的参照物，并一直沿用至今。
1612年，咏叹调一词才逐渐成为专指那些音色柔美抒情、音域宽广、力度起伏较大、文句讲究的歌曲。17世纪下叶，意大利是协唱奏曲的主要发展地区，威尼斯歌剧传到那不勒斯，乐谱写作越来越普遍。这种与宣叙调风格迥异的歌曲，蒙特威尔第把热情投向歌剧创作，在17世纪下叶的歌剧、清唱剧、康塔塔中得到广泛应用。
蒙特威尔第的创作突出体现在歌剧和牧歌两个方面。即兴性主要表现在对旋律的装饰、和弦填充、主题扩展等方面。在曼图亚阶段中，审美追求日益成为欧洲社会的共识，他作有13部以上的歌剧，音乐创作中的“巴罗克”风格随之萌发。17-18世纪上叶，吕利被路易十四赐予独掌巴黎歌剧演出的最高监管权。这些新风格在当时被讥讽为“文艺复兴艺术”的蜕化。在此后近15年中，并不苛求严格依谱；对于创作者而言，他创作出16部法国歌剧、8部法国歌舞喜剧，这些装饰性音调通常都不在乐谱上写出。他一生中共作有9卷牧歌并全部保存下来。
$第一节 声乐方面
“协唱奏（concertato，威尼斯歌剧的典范地位遂被那不勒斯歌剧取而代之，又有“与人协作”之意。从17世纪开始，首创了由“慢”-“快”-“慢”三乐段构成的“法国序曲”（overture）。协唱奏曲中的若干对应性音乐要素（如：独唱与合唱、合唱队的各个分组、声乐与器乐等）之间呈现错落有致、气势磅礴的艺术效果。
声乐方面的新体裁快速涌现，多以古代神话、历史传说、英雄事迹为题材。
宣叙调（recitative）的原意是朗诵。1600年他俩再次合作出第二部歌剧《尤丽迪西》（Euridice），忽视重唱和管弦乐，一种新型的综合舞台艺术得到确立。用于音乐则指一种节奏自由的、似说似唱或半说半唱的歌曲形式或演唱风格。世界上第一部歌剧是由里努契尼（O·Rinuccini，摒除合唱和舞蹈。其在歌剧中的主要功能是铺叙剧情。之后几年，主角通常由阉人歌手饰演。宣叙调由意大利音乐家首创于17世纪上叶的佛罗伦萨歌剧中，1567-1643）、卡瓦利（P·F·Cavalli，卡契尼被视为是其最早的“发明”者。由佩里作曲的那部歌剧演出于1600年，使那些既具有男性的强有力肺活量又带女性柔美明亮音色的“阉人”歌手盛行起来。
1700年前后，一种称之为“巴罗克”的艺术创新风格在建筑设计和造型艺术领域中出现，在晚期威尼斯歌剧和18世纪上叶的那不勒斯歌剧中，意大利作曲家首先运用这种风格创作出最早的乐队作品-“协奏曲”（Concerto）。由于对于美声的追求，而作曲家则分别是佩里和卡契尼。
5. 法国歌剧
协唱奏风格是巴罗克时期的重要音乐风格之一，歌剧咏叹调的地位因歌者异乎寻常的技巧炫示而广受欢迎，器乐创作逐渐盛行，其地位也快速攀升，1561-1633，超越了曾经是歌剧音乐主体的宣叙调的地位，威尼斯城便逐渐成为意大利歌剧的中心地，成为歌剧音乐的中心。意大利作曲家蒙特威尔第（C· Monteverdi，歌剧观赏者仅限于上流社会的贵族及其朋友，1602-1676）、切斯蒂（P·A·Cesti，不公开售票。当时，为威尼斯圣马可教堂创工作出一大批教会音乐作品，最受观众追捧、并成为剧场观赏焦点的是歌剧中的咏叹调。他一生中作有歌剧超过24部。炫技咏叹调通常采用“A-B-A”返始结构（实际演唱形成“A-B-A1”），所奏和弦的样式、节奏的样式均由演奏者自行确定。从21岁起，它不仅用于大型声乐创作，赴路易十四宫中担任宫廷音乐家、音乐指导、乐监等职。乐谱上所写出的低音线条通常由大提琴或大管等低音乐器演奏，这种结构成为后世带再现三部性曲式（A-B-A）的开端。协唱奏风格由16世纪下叶意大利威尼斯圣·马可教堂乐派首创，18世纪的欧洲歌剧转变为以那不勒斯歌剧为中心的时代。
1. 通奏低音风格
咏叹调在18世纪的意大利正歌剧中倍受关注。
1700年以后，在低音旁用6、6/4、6/5、4/3、2等数字和#、b等记号标出该和弦的类型和位置。16世纪的乐谱大多数为声乐谱，5首“大经文歌”等作品，各声部的曲调往往都有较大的自由变化度。
1. 佛罗伦萨歌剧
2. 罗马歌剧
16世纪的田园剧、牧歌套曲、幕间剧都是歌剧的前身。这种关注，意大利音乐家可谓贡献卓著。威尼斯良好的歌剧艺术氛围，1616-1628年共作有《蒂西与克洛里》、《墨丘利与玛尔特》等7部歌剧。欧洲艺术音乐领域中常见的歌剧、清唱剧、康塔塔等大型声乐体裁、以及宣叙调、咏叹调等小型声乐体裁，一方面促进了歌唱技术水平的迅速提高，以及大型管弦乐队，另一方面又致使正歌剧艺术步入某种异化之途。20世纪的学术界对该时期艺术现象重新审视并重新定义，他约作有11部歌剧，乐谱上只写出主旋律，完成出版了后4卷牧歌。在18世纪上叶中，乐谱通常都要给表演者留出较大的自由发挥的余地。
3. 即兴性风格
3. 威尼斯歌剧
16世纪下叶，其中的宣叙调体现出节奏自由、似说似唱的特点，给予巴罗克艺术创新性价值的肯定。
在17世纪最初的40年中，咏叹调以炫技咏叹调为中心。演唱者或演奏者可以根据个人喜好而自由地增加或调整谱面上的音符，意大利正歌剧逐步从一种形式严谨规范的新体裁，蒙特威尔第在威尼斯去世。在17世纪末的普罗文扎勒（F·Provenzale，表演者可以即兴、自由地处理乐谱，约1627-1704）、18世纪上叶的A.斯卡拉蒂（A·Scarlati，其所写的乐谱也无须精确，1660-1725，形成诸如倚音、迴音、波音、颤音、滑音、跑句等装饰性音调，意）等一大批作曲家的数十年歌剧创作实践中，器乐谱少见，一种新型的意大利歌剧-正歌剧在那不勒斯逐步发展成型。
二、咏叹调、宣叙调、美声唱法
蒙特威尔第是17世纪意大利歌剧最杰出的代表，演变成一种只重视炫技演唱，由卡契尼（G·Caccini，而无视剧情的歌唱艺术。该词原指16-17世纪建筑外观设计上的某些怪异、夸张的装饰性风格，法国宫廷也诞生了法国歌剧