泼墨画是在中国画特定的宣纸和水墨相互作用下产生的一种特殊的艺术效果。泼墨技法是利用水墨在生宣纸上自然流淌渗化的性能，形成画面的大结构，再用笔整理、补充成完整的作品。
泼墨画法，大部分为应付大面积用的，山水画中之云雾迷蒙，尤其是中景至远景，很适合泼墨法画。泼墨山水画是以墨为主、笔为辅的表现方法，虽然这种画法有一定的偶然因素，但往往需要根据墨落宣纸后的既成效果，灵活调整画面，引导和控制水墨的变化和动向，从无形到有形、写形到传神，最后收拾加工整理而成。
泼墨主要靠水。但有时也有先墨后水的。先用干画墨为好，等半干时，用水泼之，使其渗化变形。也有墨与水同时画下的。墨乘水势，自然奔流，水引墨泛，刹那间水墨奔放，逸气横溢，成为别具一格的泼墨画。用指方面，当然是五指齐施快速动作，否则一滞就板，肥浮无力，画中“飞白”也会随之淹没，泼墨的豪放气概也就没了。
工笔画
工笔，就是运用工整、细致、缜密的技法来描绘对象。工笔又分为工笔白描和工笔重彩两类。
工笔白描就是完全用墨的线条来描绘对象，不涂颜色。白描本来大抵是用来打草稿的，宋代画家李公麟把它发展成独立的画种，他的白描如行云流水，变化无穷丰富，有很强的表现力。他画的《五马图》，人和马都用单线勾出，比例准确，肌肉骨骼的结构清楚，甚至马的毛色所具有的光泽也细致地表现出来，动态极为生动，是古代第一流的白描作品。
工笔重彩，就是指工整细密和敷设重色的中国画。在中国绘画的早期，工笔重彩占有主要的地位。湖南长沙马王堆汉墓发现的帛画、都是道地的工笔重彩，特别是轪妃墓的T形“非衣”，构图巧妙，线描精细，设色绚丽，显示了当时工笔重彩达到了高度的成就。古代绘画普遍使用丹砂和青绿之类的重彩颜料，因此称绘画为“丹青”，由此可见工笔重彩在古代绘画中的重要地位了。
写意画
写意画是与工笔画相对而言的一种画法，即用简练的笔法描绘景物。它要求用粗放、简练的笔墨，画出对象的形神，来表达作者的意境。写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。因此，如今写意画已是影响最大、流传最广的画法。
据传唐代的时候，玄宗命令画家李思训和吴道子，一起在大同殿描绘嘉陵江的山水。李思训擅长工笔重彩，他用了几个月的工夫完成这幅壁画。吴道子则在一天之内就画成三万余里的嘉陵山水，这可以想象，他不可能用工笔重彩的技法来画，一定是比较粗放、简练的。这说明那时的绘画已经有了工笔、写意的区别了。
到了宋代，苏轼提出“士人画”，主张画画“不求形似”，而应写情寄意，以表达作者主观的思想感情。他留下的绘画作品只有一幅《枯木图》，画一株枯树、一块顽石，石后露出一、二枝竹子，树下几根细草。这幅画抒发他政治上不得意的思想感情，但大书法家却给以极高的评价，说枝干“虬屈无端倪”，石“亦怪怪奇奇，如其胸中蟠郁也”。
元代以后，笔法简练、造型生动、酣畅淋漓、讲究意趣的写意画大盛。这样，写意画就同遵守传统、恪守法则的工笔画形成了风格迥异的两大派，长期地在画坛上争相辉映，代代地相传下来。
总的来说，写意画具有以下几个特点。第一，主张神似，注重用墨。第二，强调作者的个性发挥。第三，多以书法的笔法作画，所以写意画家多半是书法学。第四，溶诗、书画、印为一体。
国画
中国画简称“国画”。它用毛笔、墨，和中国画颜料，在特制的宣纸或绢上作画。在题材上有人物画、山水画、花鸟（卉）画动物画等之分。在技法上又可引为工笔画和写意画两种，各有蹊径，互有特色。在人物画方面，从晚周至汉、魏、六朝逐渐成熟。山水、花鸟等至隋唐之际，始独立形成画料。到五代、两宋、流派繁多，为高度发展阶段。元代水墨画盛行。明、清和近代，大体承袭前规。在各个时期中，都出现了不少革新造性的画家。在描绘物象上，国画主动运用线条、墨色来表现形体、质感，有高度的表现力，并与诗词、款赋、书法篆刻相结合，达到“形神兼备”气韵生动的效果。另外中国画，还有着独特的装裱形式，起到衬托画体的作用。
漫画
漫画是绘画种类之一，又称讽刺画，常通过夸张、变形、假定、比喻、象征等手法，以幽默、风趣、诙谐的艺术效果，讽刺、批评（或歌颂）现实生活中的人和事。具有引人开怀，发人深思，启人心智的基本特征。
漫画品种多彩纷呈，例如，感想式漫画、抒情性漫画、哲理性漫画、水墨漫画等等不一而足。漫画是视觉艺术，与其它绘画有着同样的共性，然而，它又不完全等同于其它绘画，它与其它绘画的根本区别在于对事物提出看法并加以评论，同时还具有幽默的特性。所以讽刺和幽默构成了漫画最基本的属性，漫画艺术就是讽刺和幽默的艺术，也是逆向思维艺术。
年画
年画是我国的一种古老民间艺术，和春联一样，起源于“门神”。
民间年画是中国民间美术中较大的一个艺术门类，它从早期的自然崇拜和神祗信仰逐渐发展为驱邪纳祥、祈福禳灾和欢乐喜庆、装饰美化环境的节日风俗活动，表达了民众的思想情感和向往美好生活的愿望。
民间年画历史源远流长，有着较多的产地，流行也十分广泛，通俗普及，而且拥有大量的读者，曾经有过颇为兴盛的发展。无论是题材内容、刻印技术，还是艺术风格，都具有自己鲜明的特色。它不仅对民间美术的其他门类曾产生深远的影响，而且与其他绘画形成相互融合成为一种成熟的画种，具有雅俗共赏的特点。
苏州桃花坞、天津杨柳青、山东潍坊和四川绵竹，是我国著名的四大民间木刻年画产地，在历史上久负盛名，被誉为中国“年画四大家”。
桃花坞年画，系用一版一色的木版套印方法印刷出来，工艺精美，一幅画要套印四五次至十几次，有的还要经过“描金”、“扫银”、“敷粉”等工序。在色彩上，有桃红、大红、蓝、紫、绿、淡墨、柠檬黄等诸色。在艺术风格上，桃花坞年画构图丰富，色调艳丽，装饰性强，富有浓郁的生活气息。在人物塑造、刀法及设色上，具有朴实、稚拙、简练、丰富的民间美术特色，故数百年来一直畅销于海内外，欧洲许多国家的博物馆及艺术馆都有收藏。
天津杨柳青年画内容多取材于传统戏曲、美女及胖娃娃等。在艺术风格上，杨柳青年画构图丰满，线条工整，色彩鲜艳，在人物的头部、脸部等重要部位，多以金色晕染，自成一格。
山东潍坊杨家埠年画重用原色，想象丰富，线条粗犷而对比有力。
四川绵竹年画以雕版艺术精湛、艺术情调高昂著称。其形式多样，有门画、斗方、画条等种类。造型质朴简练，填色鲜艳悦目。
朱仙镇（在河南开封）木版年画历史悠久，堪称中国民间艺术宝库中的一颗明珠。朱仙镇木版年画有五大特点：一是线条粗犷，粗细相间；二是形象夸张，头大身小；三是构图饱满，左右对称；四是色彩艳丽，对比强烈；五是门神多严肃端庄。
朱仙镇的木版年画，不但具有极高的艺术收藏价值，而且极具观赏价值，许多名人都曾收藏过朱仙镇的木版年画。
画圣吴道子
在中国艺术史上，有三位艺术家被戴上“圣”的桂冠：一位是晋代王羲之，被誉为书圣，一位是唐代杜甫，被誉为诗圣，还有一位被誉为画圣，那就是唐代的吴道子。
吴道子出生在阳翟（今河南禹县），生卒年不详，一生主要活动时期在唐朝开元、天宝年间（公元713年—755年）。唐玄宗召他入宫担任宫廷画师，为他改名道玄。他成了御用画家，没有皇帝的命令，不能擅自作画。这样，一方面对他这样一个平民意识很强的艺术家是一种约束和限制，另一方面，他得到了最优厚的条件，不再浪迹江湖，利用条件，可以施展他的艺术才华。
吴道子性格豪爽，不拘小节，“每一挥毫，必须酣饮”，因此，经常是醉中作画。传说他描绘壁画中佛头顶上的圆光时，不用尺规，挥笔而成。他画画时很快，像一阵旋风，一气呵成。当时的都城长安（今西安）是全国文化中心，汇集了许多著名的文人和书画家。吴道子经常和这些人在一起，使他的技艺不断提高。
吴道子是一个多产的画家，他作品的数量很大。据说寺廊壁画有三百余堵，有记录的卷轴画有一百多件。其中佛教、道教题材为多，还有山水、花鸟、走兽等。可惜今已无存。《送子天王图》（一称《释迦降生图》）是宋人对他作品的临摹本。它所表现的是释迦牟尼降生为净饭王子以后，其父净饭王抱他拜谢天神的佛经故事。从中反映了吴道子的基本画风。吴道子打破了长期以来沿袭的顾（恺之）陆（探微）“紧劲联绵，如春蚕吐丝”那种游丝描法，因为游丝描的线条圆润挺健，但如铁线一般而无变化。吴道子开创兰叶描，“行笔磊落，挥霍如莼菜条，圆间折算，方圆凹凸”。他用笔起伏变化，状势雄峻而疏放，表现了内在的精神力量。同时，他敷色比较简淡，甚至不着色。他在创作的时候，处于一种高度兴奋与紧张状态，很有点表现主义的味道。这些，似乎都透出了后来疏笔水墨画的先声。
张择端
张择端，字正道，又字文友，东武（今山东诸城）人，北宋末年画家。他自幼好学，早年游学汴京（今河南开封），后习绘画。宋徽宗时供职翰林图画院，专事绘画。是北宋末年杰出的现实主义画家。其作品大都失传，存世的《清明上河图》、《金明池争标图》，为我国古代的艺术珍品。
《清明上河图》本是进献给宋徽宗的贡品，流传至今已有800多年的历史。其主题主要是描写北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面，描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象。作品气势恢弘，长528.7厘米、宽24.8厘米。画有587个不同身份的人物，个个形神兼备，并画有13种动物、9种植物，其态无不惟妙惟肖。这件现实主义的杰作，是研究北宋东京城市经济及社会生活的宝贵历史资料。
《金明池争标图》描绘的是皇帝带领近臣到金明池观水战、赛龙舟的热闹场面。图长28.6厘米、宽28.5厘米，略呈正方形。小小的画面，把周围9里多的池面及池岸边的景物悉数摹画下来。着重描写池中的大龙舟及周围的小船，用动静结合的手法，概括地绘出了金明池的全部景色和皇帝观看争标的场面，画面紧凑，结构严谨，主题突出。
这两件作品现存北京故宫博物院。
篆刻
篆刻是一种特有的传统艺术，从古至今已有二、三千年的悠久历史。篆刻，顾名思义，即是用篆书刻成的印章，是一种实用艺术品。它又称为“玺印”、“印”或“印章”等，这些称呼都因时而异。
早在殷商时代，人们就用刀在龟甲上刻“字”（即我们现在称为甲骨文）。这些文字刀锋挺锐，笔意劲秀，具有较高的“刻字”水平。在春秋战国至秦以前，篆刻印章称为“玺”。秦始皇统一六国后，规定“玺”为天子所专用，大臣以下和民间私人用印统称“印”。这就形成了帝王用印称“玺”或“宝”，官印称“印”，将军用印称“章”，私人用印称“印信”。
篆刻艺术有两个高度发展的历史阶段。一个是战国、秦汉、魏晋六朝时期，这一时期的篆刻用料主要为玉石、金、牙、角等。它被称为“古代篆刻艺术时期”，它的篆刻艺术特点主要是以时代来划分。明清以来，篆刻又迎来了它的第二个发展高峰期，它的篆刻艺术特点主要是流派纷呈。出现了程邃、丁敬、邓石如、黄牧甫、赵之谦、吴让之等篆刻艺术家，一时间篆刻艺术呈现出了一派繁荣的景象。直至近现代篆刻大师吴昌硕、齐白石，从而形成了一部完整的中国篆刻历史。
篆刻艺术是书法、章法、刀法三者完美的结合，一方印中，即有豪壮飘逸的书法笔意，又有优美悦目的绘画构图，并且更兼得刀法生动的雕刻神韵。可称得上“方寸之间，气象万千”。
四大石窟
石窟原是印度的一种佛教建筑形式。中国的石窟起初是仿印度石窟的制度开凿的，多建在中国北方的黄河流域。从北魏（公元386年—534年）至隋（公元581年—618年）唐（公元618年—907年），是凿窟的鼎盛时期，唐代以后逐渐减少。这个时期，黄河流域是中国政治、文化、经济的中心。甘肃敦煌莫高窟、麦积山石窟、山西大同云冈石窟和河南洛阳龙门石窟被称为中国四大石窟。
敦煌莫高窟是中国规模最大、内容最丰富的石窟群，以壁画、泥塑著称。这里的壁画有4.5万多平方米，其内容除了佛经故事外，还有大量的人类渔猎、耕作、制陶的生活场景；也描绘了当时的生产交通工具，如车船、农具、织机等；还保留了大量的亭台楼阁、塔寺店铺、桥梁水榭等古建筑形象。敦煌莫高窟有五座唐宋木结构窟檐建筑，是中国现存建筑中的珍贵标本。
云冈石窟以壮观的石刻闻名。“雕饰奇伟，冠于一世”是古人对云冈石窟的赞美。云冈石窟是中国最大的石刻艺术宝库。云冈石窟最大的雕像高17米，这尊佛像的脚上可容12人站立。大佛的周围有小佛围绕，甚为壮观。云冈石窟的石刻之所以有名，在于它的精湛的雕刻技艺和丰富多彩的内容。这里五万多尊塑像，大至十几米，小至几厘米，形态、神采都很动人。有些石佛，透过他们薄薄的罗纱可见其优美身段；有些飞天、乐伎明显地流露出波斯的色彩
龙门石窟是历代皇家贵族发愿造像最集中的地方，“皇窟”使它的地位得天独厚。其源流是这样的：公元493年，北魏孝文帝入主中原，迁都洛阳。此皇帝极为开明，除极力推行“汉化政策”处，还尊崇佛教，发愿营造已初步开凿的古阳洞——这是龙门石窟最早开凿的洞窟。继孝文帝之后，历代皇室纷纷效法，北魏隋唐长达400多年的连续大规模营建开始，“皇窟”遂成规模。
麦积山石窟有两大特色：一是其地势险峻，在中国现存石窟中绝无仅有；二是其泥塑艺术出类拔萃。麦积山石窟建在一座圆锥体、中间粗大、底部细小、状似农家麦垛的麦积山上。其洞窟多开凿在二三十米及至七八十米高的悬崖峭壁上，洞窟之间全靠架设在崖面上的凌空栈道通达，这些栈道就已是很刺激、很有寻古之况味的事。麦积山的泥塑出类拔萃，这里保存了从北魏以来的数以千计的精美塑像，大的高达十五六米，小的仅二十多厘米，体现了千余年来各个时代塑像的特点，系统地反映了中国泥塑艺术的发展和演变过程。
雕塑
中国古代雕塑大致可分为两大类，一类是纯粹的工艺品，例如象形器皿和供摆设的小型工艺雕刻；一类为建筑（包括陵墓）装饰雕刻，例如南朝王陵石刻辟邪和唐代顺陵石狮。
中国古代雕塑的装饰性和绘画性相当突出。无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。
中国古代雕塑语言精练，具有很强的意象性。中国古代雕塑多从感觉和理解出发，像中国画一般运用经济的语言，简练、明快，以少胜多而又耐人寻味，常常给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。